鍵盤楽器からフルートソロにつながる冒頭部、とても印象的ですね。メロディ先行ではなく、ハーモニーを担う木管楽器がしっかりと響きを作ることが重要だと思います。全曲を通してメロディ、リズム、ハーモニーを担う部分がはっきりしていますので、まずはそれぞれの役割をきっちり果たした上で、互いの動きをしっかり聴き合いながら「絡み合う」演奏をめざすとよいでしょう。
　また、アーティキュレーションを示す記号がほとんど書かれていません。だから何もしないのではなく、リズムのキャラクターや和音の機能と進行をスコア（総譜）で読み取りながら、どのように吹きたいかをプレーヤーに考えさせることが必要です。そういった学びにつながるよい曲だと思います。
　少人数の場合、木管楽器だけの部分を金管で演奏してみたり、メロディ楽器を他の楽器で吹いてみたりと言った「お試し」をいろいろとしてみると、同じメロディやハーモニーが違う響きで聞こえてきます。バンドの事情で同音域の楽器に単純に置き換えるのではなく、響きの違いを比べながらその部分に合った置き換えをすると、この曲のよさがしっかりと引き出せるはずです。「耳を使った音楽づくり」を学べるよさもあると思います。

　まずは、このオペラの内容をみんなで理解しましょう。そうすることで、抜粋された曲がどんな場面の曲なのか、どう演奏すればいいのか、を考えるヒントを得られると思います。また、原曲は管弦楽で書かれています。吹奏楽は別の表現形態ではありますが、オーケストラとの楽譜上の違いを確認しましょう。自分のパートがどの楽器の置き換えなのか、オリジナルなのか。それによって、奏法が変わってくるはずです。特に弦楽器の置き換えの場合は、一音一音を丁寧に演奏し、流れがずっとつながるように演奏したいですね。
　パッセージの中での音の跳躍が多いのも特徴です。基本形を作って基礎練習をしっかりと行うと、演奏しやすくなるでしょう。また、フレーズがどこに向かうのか、そしてどこに収まるのか。頂点（重心）を和音の進行を基に考えながら、音楽づくりをする必要があると思います。
　サウンド面では、サクソフォンの3パートとユーフォニアムが大切だと思います。ふくよかなサウンドにまとめたいですね。音量や激しさ（鋭さ）だけではなく、響きの太さ、しなやかさで奏でたい一曲です。
　手間はかかると思いますが、時間をかけてでも学べることがたくさんある秀曲です。ぜひ、チャレンジしてほしいと思います。ただし音数はある程度は必要です。

　日本の美しさを凝縮した曲ですね。生徒が曲の世界を共有しやすいので、取り組みやすさもあると思います。秋→冬→春→夏、それぞれの特徴をしっかりつかんで表現しましょう。
　短い音で表現する部分は、自分の音をしっかり聴きながらいい音で表現できるように練習しましょう。打撃音（痛い音）にはならないようにしたいですね。また、場面の描き分けでは、連続するスラーが「つながる」のか「切れる」のか、はっきりとした意思をもって演奏できるように。
　また、木管部、金管部で違う役割を担う部分が多いので、それぞれのセクションがしっかりと演奏できるような練習が重要です。足りないパートがあるときは、スコア全体を見ながら、補強し合う方法を考えておくとよいと思います。
　ラストの夏では、鮮やかな花火が打ち上がります。バスドラムを中心に、どんな花火の音がいいのか、みんなで音探しをしましょう。打楽器は「音の博物館」。出せる音の種類を増やしておきましょう。そのために、基礎練習が大切なことを再確認できるはずです。

　「夜明けの小川の歌」とでも訳すのでしょうか。夜明けの凜とした空気や小川のせせらぎが醸し出す空気感。少ない人数で大きな効果を生むように書かれています。
　冒頭部、ピアノはぜひ使いたいところ。クラリネットとのデュオは、語りかけるように。その後のpでの部分、音色を損なわないよう、しっかり音を聴き合ってサウンドを作りましょう。pが「弱く」だけでないことを、聴き合うことで確認しながらの音色づくりが望まれます。Cl→S.Sax→Euph→B.Sax→Fl→Clとソロが受け継がれます。ソリスティックな演奏ができるよう、音色、技術だけでなく感性も磨きたいところ。感動的なラストのTutti部分を引き出すためにも、そこに至るまでの伴奏部分もきっちりまとめておきましょう。
　この曲も書かれているアーティキュレーションが限られています。書かれていない部分にも大切にしたい音や目立たせたい音がたくさんあります。楽譜をしっかり読んで、「どう表現したいか」をじっくりと考えていきたいですね。

　小編成バンドのために書かれており、音の重ね方や楽器の使い方に配慮と工夫が感じられます。こういう楽譜があることは、ありがたいことです。
　冒頭から緊張感たっぷりの部分。ソロ楽器は音色で勝負したいところです。前半のゆったりした部分、ミステリアスさを出すには、弱奏での個々の演奏力が重要です。基本練習をしっかりしていきましょう。この曲も、必要最低限のアーティキュレーション記号の記譜です。片岡先生の作品はリズム表現が特に重要です。他の曲でも書きましたが、楽譜をしっかり読んで「どう表現するか」をじっくり考えたいですね。同時に、リズム表現、特に短い音での演奏はトレーニングが必要です。時間と根気が必要ですが、とにかく諦めずに取り組みましょう。しっかりとした響きのある音で表現することが、曲が持つ緊張感を高める上に、たっぷりとしたメロディの情感を高めることにつながります。
　確かな技術をつける上でとても役立つ曲だと思います。難易度は高めですが、挑戦してみてはいかがでしょうか。

　演奏効果の高いこの曲の小編成版の楽譜です。もともと楽器の使い方や音の重ね方について隅々まで配慮が行き届いている鈴木先生の作品ですから、小編成の楽譜でも十分にこの曲の世界観が表現できるように書かれています。
　ただ、大編成と全く同じものを求めてはいけません。あくまでも今ある音数の中で響きを作っていくことが重要です。例えば、大編成のスコアと見比べたり、練習番号の同じ部分を大編成と小編成で聴きくらべたりすると、「違い」とともに「共通なもの」が見えてくるはずです。
　また、これまでの曲と同様にアーティキュレーション記号の記譜は最小限です。どう演奏したいかを楽譜とにらめっこして考えること。また、その記号の意味も深く考えてみましょう。限られた種類の記号を使って、作曲家の方は私たちにメッセージを伝えています。記号の意味をストレートに捉えるだけではなく、「なぜこの記号を使ったのか」まで深く考えてみると、新しい表現方法に気づくかもしれません。
　重厚な響きもこの曲の大きな魅力の一つです。とくに5度で重なっていく響きは、絹織物のような質感と、生じる倍音や結合音の渦を生みます。「聴き合って響きをつくること」がとても重要です。一つ一つの響きだけでなく、その流れをしっかりと感じ、そこから生まれる抑揚に乗ってメロディが奏でられるとよいのではないでしょうか。鍵は、中音域パートが握っているように思います。
　譜面は平易そうに見えますが、実はとても奥深い曲です。バンドの質感を高めるためにおすすめの曲の一つです。